Julieta Venegas: MTV Unplugged (2008)

Los primeros discos de Julieta Venegas se me figuraron con altibajos. Además, como a casi todo artista principiante, Julieta sonaba no sólo a Julieta sino a mucho más. Cuando decidió grabar su MTV Unplugged, una década después de su primer disco, ya Julieta se había adueñado plenamente de su propio repertorio. Y así lo dejó saber, en el disco y en la gira que le siguió. Durante su escala en Caracas el pasado 29 de octubre, a pesar de lo poco feliz del recinto, dejó claras muestras de su maestría artística.

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2001: A Space Odyssey (1968)

Con la última luz del día, y mirando ansiosamente en derredor para precaverse de tempranos cazadores, bebieron apresuradamente en el riachuelo, comenzando seguidamente a trepar a sus cuevas. Se hallaban todavía a cien metros de la nueva roca cuando comenzó el sonido.

Era apenas audible, pero sin embargo los detuvo en seco, quedando paralizados en la vereda, con las mandíbulas colgando flojamente. Una simple y enloquecedora vibración repetida, salía expelida del cristal, hipnotizando a todo cuando aprehendía en su sortilegio. Por primera vez —y la última, en tres millones de años— se oyó en África el sonido del tambor.

El vibrar se hizo más fuerte y más insistente. Los mono-humanoides comenzaron a moverse hacia adelante como sonámbulos, en dirección al origen de aquel obsesionante sonido. A veces daban pequeños pasos de danza, como si su sangre respondiese a los ritmos que sus descendientes aún tardarían épocas en crear. Y completamente hechizados, se congregaron entorno al monolito, olvidando las fatigas y penalidades del día, los peligros de la oscuridad que iba tendiéndose, y el hambre de sus estómagos.

El tamborileo se hizo más ruidoso, y más oscura la noche. Y cuando las sombras se alargaron y se agotó la luz del firmamento, el cristal comenzó a resplandecer.

Arthur C. Clarke: 2001. Una odisea espacial

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Amon Düül: Psychedelic Underground (1969)

En 1967 aparece en Münich una comunidad centrada en la música pero también con una actividad política de orientación anarquista. Su nombre, Amon Düül, proviene de la combinación de la denominación la deidad egipcia del Sol y de un personaje de ficción turco cuyo nombre deriva de la palabra Luna. Más que una banda, se trataba más bien de una tribu, una comuna de hippies radicales de izquierda que tomaban algunos instrumentos y le daban, le daban, le daban al asunto, hasta obtener algo. Supuestamente, la facción más musical de la comuna dio pronto forma a Amon Düül II, mientra que la más política pasó a otras cosas... Pero antes, con el nombre original, dejaron para la posteridad cuatro discos. Los tres primeros, aparentemente producidos en la misma sesión de grabación en 1968, son Psychedelic Underground (1969), Collapsing (1969) y Disaster (1971); posteriormente registraron Paradieswaerts Duul, más orientado al folk rock.

La formación que grabó Psychedelic Underground la conformaban Peter Leopold, Ullrich Leopold, Rainer Bauer, Ella Bauer, Uschi Obermaier, Helge Filanda y Angelica Filanda. El álbum, semilla del krautrock, está dotado de una atmósfera opresiva sumada a la acidez y el componente psicodélico propio de la música comenzada a gestar dos o tres años antes en California y Londres, pero llevado a niveles extremos.

El texto anterior, con algunas adaptaciones, proviene de aquí, aquí y aquí.

Tracklist: 1. Im Garten Sandosa 7:49 / 2. Der Garten Sandosa Im Morgentau 8:07 / 3. Bitterlings Verwandlung 2:29 / 4. Ein Wunderhubsches Madchen Traumt Von Sandosa 17:05 / 5. Kaskados Minneleid 2:53 / 6. Mama Duul Und Ihre Sauerkrautband Spielt Auf 2:54

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Grupo Folklórico y Experimental Nuevayorquino: Concepts in Unity (1975)

Lo grande que tiene la música es que cuando es buena, resulta eterna. Ese es el caso del Grupo Folklórico y Experimental Nuevayorkino. Este grupo de renegados (ó piratas), cuyo concepto realmente comenzó en el sótano de la casa de los hermanos Andy y Jerry González en el Bronx, tomó los conceptos de música tradicional, fusión y modernidad y los elevó hasta un nivel completamente desconocido.

Taken from here

Desde los años ’50, Nueva York se había transformado en el epicentro de la música popular latina. Estilos musicales importados desde el Caribe, así como de Centro y Sur América se fusionaron con elementos afroamericanos, italianos e incluso judíos hasta conformar un estilo “nuevayorquino”, mientras que el término “nuevarricano” apareció para hacer referencia a esa cultura puertorriqueña enteramente basada en la ciudad de Nueva York.

Taken from here

Es dentro de este contexto donde el Grupo FyENY nace y se desarrolla. La plantilla del grupo es notable, una mezcla entre músicos famosos, músicos no tan famosos pero de gran trayectoria y nuevos talentos. Alfredo “Chocolate” Armenteros, experimentado trompetista de la vieja tradición sonera y uno de los mejores en su estilo. En los timbales Manny Oquendo, quien venía de tocar en La Perfecta de Eddie Palmieri. Andy González, bajista, y Jerry González en las congas, provenientes de las bandas de Eddie Palmieri y Ray Barreto. El pianista Oscar Hernández, quien tocara con la orquesta de Ismael Miranda. Los cubanos Nelson González en el tres y Alfredo de la Fé en el violín, militantes de la Típica 73. En total son 33 los músicos que participan en esta grabación.

Para información más detallada, ir a

Para quien no conoce nada acerca del jazz latino, esta mezcla sería equivalente a un “Blind Faith”, un supergrupo de talentos cuya conjunción fue capaz de producir la música que cambiaría los estándares de toda una época. Exactamente eso representa el álbum “Concepts in Unity”, primero de los dos únicos que editó la orquesta. Bastante alejado (aunque no del todo ajeno) al estilo comercial y bailable que se vendía para ese momento en el ámbito neoyorquino, conocido popularmente como “salsa”, el GFyENY se sumerge en las raíces de la música afrolatina con prodigiosa lucidez, añadiendo de paso a su orquestación un instrumento inusual, por no decir tabú: los tambores batá, profundamente ligados a la tradición religiosa africana y afrocaribeña.

Los dos temas netamente africanos de este disco, Canto Asoyín y Canto Ebioso, son inolvidables, testimonios que ilustran de manera inigualable y directa la realidad mestiza de la (nuestra, soy venezolano) afrolatinidad. Tras su desmembramiento, los miembros del GFyENY toman diferentes rumbos, de los cuales podría citarse la trayectoria de Chocolate Armenteros, grande entre los grandes, y sobre todo la de quienes heredan directamente la tradición GFyENY: el Grupo Libre, liderado por Manny Oquendo. Otra gran banda que tal vez nos atrevamos a presentarles algún día, tomorrow never knows...

Tracklist: 1. Cuba Linda / 2. Choco's Guajira / 3. Anabacoa / 4. Adelaida / 5. Luz Delia / 6. Carmen la Ronca / 7. Canto Asoyin / 8. Canto Ebioso / 9. A Papá y Mamá / 10. Iya Modupue

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Laurie Anderson: Big Science (1981)

La artista multidisciplinar neoyorquina Laurie Anderson llevaba tiempo presentando su famosa performance United States I-IV, cuando la productora Roma Baran la convenció para regrabar en el estudio su hipnótico "O Superman". El siempre avispado John Peel fue el responsable, al pinchar en su mítico programa radiofónico una de las joyas de la música electrónica minimalista, de que finalmente Warner pusiera una oferta encima de la mesa para comenzar presentando al gran público una selección de temas de la Anderson en un disco que se convertiría en uno de los mayores logros de la electrónica avant-garde, consiguiendo que una músico elitista, hasta entonces al alcance de unos pocos, llegara a un insospechado número de personas, y con éxito.

Big Science es un disco difícil para quienes no están acostumbrados a propuestas tan radicales por su aparente vacío en comparación con la búsqueda, dentro del mundo del rock, de complejos muros de sonido que a veces tapan las verdaderas intenciones del artista de comunicarse con su público. Pero sigue siendo un disco mítico en su rareza y originalidad, y más hipnótico y pegadizo de lo que pudiera pensarse en un principio. Y con una calidad desbordante.

Texto tomado de aquí.

Tracklist: From the air (4:29) / Big Science (6:14) / Sweaters (2:18) / Walking & Falling (2:10) / Born, never asked (4:56) / O Superman (for Massenet) (8:21) / Example #22 (2:59) / Let X=X (3:51) / It Tango (3:01)

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Vangelis: Soil Festivities (1984)

Tras un instante de silencio en su carrera como solista, el genial compositor y teclista griego Vangelis Papathanassiou publicará tres álbumes en un corto período de tiempo, entre 1984 y 1985. El primero de ellos sería "Soil Festivities", poco después "Invisible Connections" (con el prestigioso sello clásico Deutsche Grammophon) y finalmente "Mask". De ellos, Soil Festivities es tal vez el más íntimo, y por momentos minimalista. Acerca de esta obra, el propio Vangelis señaló en una entrevista: “…Compuse mi nuevo álbum Soil Festivities porque quería simplemente hacer música, no vender un millón de copias. No creo que sea posible de todas maneras garantizar el éxito comercial para ningún disco, porque nadie sabe realmente qué es comercial y qué no lo es. Aún si me hubiera preocupado por hacer un álbum más accesible para el público, eso no garantizaría su éxito comercial”. Sobran los comentarios…
Como dato curioso, la edición original de esta obra en LP contaba con seis temas (ó movimientos). Sin embargo, para la reedición en formato CD se consideró el sexto movimiento como parte del quinto, quedando el disco con 5 temas en lugar de los 6 originales (no se eliminó el sexto movimiento, simplemente se le negó la independencia). Por esta razón, verán que decidí hacerle honor a la historia añadiendo ese sexto movimiento en el tracklist, y así evitar que pase al olvido. También incluyo las dos contraportadas, para que noten la diferencia. Tomorrow never knows, but yesterday… Oh I believe in yesterday.




Tracklist: 1. Movement 1/ 2. Movement 2/ 3. Movement 3/ 4. Movement 4/ 5. Movements 5 & 6



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Flairck: Live in Amsterdam (1980)

Pensar en un grupo que combine elementos folk y de música académica con el jazz y el blues no cuesta mucho. Pero conocer un grupo que lo haga con la sensibilidad y maestría de FLAIRCK… eso ya es otra cosa. Conformada a mediados de los años ’70 de la mano de Erik Visser, esta banda holandesa demostró desde su primer trabajo (Variaties op een Dame, 1978) una calidad y originalidad excepcionales. “Live in Amsterdam”, grabado el 31 de marzo de 1980, es fiel exponente del virtuosismo de la agrupación, más aún si se considera que es un trabajo en vivo (el primero de una larga carrera que se prolonga hasta nuestros días). La formación para este concierto incluía a Erik Visser (guitarras, bouzouki, sitara, flauta de pan), su hermano Hans Visser (bajo acústico, guitarra, flauta de pan), Peter Weekers (fllautas, violín, gaitas) y Silvia Houtzager (viola, arpa y flauta de pan). Curiosamente, FLAIRCK arrastró y aún arrastra un gran número de seguidores entre los amantes de la música rock a pesar de ser fundamentalmente una pequeña orquesta de cuerdas y vientos, bastante ajena a la parafernalia electrificada del rock’n roll. Otro dato curioso acerca de esta banda es que a lo largo de sus más de 30 años de historia han ido coleccionando toda una serie de instrumentos musicales tradicionales y exóticos los cuales exhiben durante sus giras. La colección actualmente supera los 150 items. No dejéis de visitar su página web: http://www.flairck.com/.

Track List: 1. Oost-West Express/ 2. De Stoomwals/ 3. Aoife/ 4. Reklame/ 5. De Eerste Dag Na Je Vertrek / 6. April 3rd - De Vlinder/ 7. Voorspel In Sofia/ 8. Variates Op Een Dame

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@ 320 (CD2):