noviembre 18, 2008

Julieta Venegas: MTV Unplugged (2008)

Los primeros discos de Julieta Venegas se me figuraron con altibajos. Además, como a casi todo artista principiante, Julieta sonaba no sólo a Julieta sino a mucho más. Cuando decidió grabar su MTV Unplugged, una década después de su primer disco, ya Julieta se había adueñado plenamente de su propio repertorio. Y así lo dejó saber, en el disco y en la gira que le siguió. Durante su escala en Caracas el pasado 29 de octubre, a pesar de lo poco feliz del recinto, dejó claras muestras de su maestría artística.

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noviembre 04, 2008

2001: A Space Odyssey (1968)



Con la última luz del día, y mirando ansiosamente en derredor para precaverse de tempranos cazadores, bebieron apresuradamente en el riachuelo, comenzando seguidamente a trepar a sus cuevas. Se hallaban todavía a cien metros de la nueva roca cuando comenzó el sonido.

Era apenas audible, pero sin embargo los detuvo en seco, quedando paralizados en la vereda, con las mandíbulas colgando flojamente. Una simple y enloquecedora vibración repetida, salía expelida del cristal, hipnotizando a todo cuando aprehendía en su sortilegio. Por primera vez —y la última, en tres millones de años— se oyó en África el sonido del tambor.

El vibrar se hizo más fuerte y más insistente. Los mono-humanoides comenzaron a moverse hacia adelante como sonámbulos, en dirección al origen de aquel obsesionante sonido. A veces daban pequeños pasos de danza, como si su sangre respondiese a los ritmos que sus descendientes aún tardarían épocas en crear. Y completamente hechizados, se congregaron entorno al monolito, olvidando las fatigas y penalidades del día, los peligros de la oscuridad que iba tendiéndose, y el hambre de sus estómagos.

El tamborileo se hizo más ruidoso, y más oscura la noche. Y cuando las sombras se alargaron y se agotó la luz del firmamento, el cristal comenzó a resplandecer.

Arthur C. Clarke: 2001. Una odisea espacial



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octubre 24, 2008

Amon Düül: Psychedelic Underground (1969)

En 1967 aparece en Münich una comunidad centrada en la música pero también con una actividad política de orientación anarquista. Su nombre, Amon Düül, proviene de la combinación de la denominación la deidad egipcia del Sol y de un personaje de ficción turco cuyo nombre deriva de la palabra Luna. Más que una banda, se trataba más bien de una tribu, una comuna de hippies radicales de izquierda que tomaban algunos instrumentos y le daban, le daban, le daban al asunto, hasta obtener algo. Supuestamente, la facción más musical de la comuna dio pronto forma a Amon Düül II, mientra que la más política pasó a otras cosas... Pero antes, con el nombre original, dejaron para la posteridad cuatro discos. Los tres primeros, aparentemente producidos en la misma sesión de grabación en 1968, son Psychedelic Underground (1969), Collapsing (1969) y Disaster (1971); posteriormente registraron Paradieswaerts Duul, más orientado al folk rock.

La formación que grabó Psychedelic Underground la conformaban Peter Leopold, Ullrich Leopold, Rainer Bauer, Ella Bauer, Uschi Obermaier, Helge Filanda y Angelica Filanda. El álbum, semilla del krautrock, está dotado de una atmósfera opresiva sumada a la acidez y el componente psicodélico propio de la música comenzada a gestar dos o tres años antes en California y Londres, pero llevado a niveles extremos.

El texto anterior, con algunas adaptaciones, proviene de aquí, aquí y aquí.

Tracklist: 1. Im Garten Sandosa 7:49 / 2. Der Garten Sandosa Im Morgentau 8:07 / 3. Bitterlings Verwandlung 2:29 / 4. Ein Wunderhubsches Madchen Traumt Von Sandosa 17:05 / 5. Kaskados Minneleid 2:53 / 6. Mama Duul Und Ihre Sauerkrautband Spielt Auf 2:54

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Grupo Folklórico y Experimental Nuevayorquino: Concepts in Unity (1975)

Lo grande que tiene la música es que cuando es buena, resulta eterna. Ese es el caso del Grupo Folklórico y Experimental Nuevayorkino. Este grupo de renegados (ó piratas), cuyo concepto realmente comenzó en el sótano de la casa de los hermanos Andy y Jerry González en el Bronx, tomó los conceptos de música tradicional, fusión y modernidad y los elevó hasta un nivel completamente desconocido.
Taken from here
Desde los años ’50, Nueva York se había transformado en el epicentro de la música popular latina. Estilos musicales importados desde el Caribe, así como de Centro y Sur América se fusionaron con elementos afroamericanos, italianos e incluso judíos hasta conformar un estilo “nuevayorquino”, mientras que el término “nuevarricano” apareció para hacer referencia a esa cultura puertorriqueña enteramente basada en la ciudad de Nueva York.

Taken from here

Es dentro de este contexto donde el Grupo FyENY nace y se desarrolla. La plantilla del grupo es notable, una mezcla entre músicos famosos, músicos no tan famosos pero de gran trayectoria y nuevos talentos. Alfredo “Chocolate” Armenteros, experimentado trompetista de la vieja tradición sonera y uno de los mejores en su estilo. En los timbales Manny Oquendo, quien venía de tocar en La Perfecta de Eddie Palmieri. Andy González, bajista, y Jerry González en las congas, provenientes de las bandas de Eddie Palmieri y Ray Barreto. El pianista Oscar Hernández, quien tocara con la orquesta de Ismael Miranda. Los cubanos Nelson González en el tres y Alfredo de la Fé en el violín, militantes de la Típica 73. En total son 33 los músicos que participan en esta grabación.

Para información más detallada, ir a

Para quien no conoce nada acerca del jazz latino, esta mezcla sería equivalente a un “Blind Faith”, un supergrupo de talentos cuya conjunción fue capaz de producir la música que cambiaría los estándares de toda una época. Exactamente eso representa el álbum “Concepts in Unity”, primero de los dos únicos que editó la orquesta. Bastante alejado (aunque no del todo ajeno) al estilo comercial y bailable que se vendía para ese momento en el ámbito neoyorquino, conocido popularmente como “salsa”, el GFyENY se sumerge en las raíces de la música afrolatina con prodigiosa lucidez, añadiendo de paso a su orquestación un instrumento inusual, por no decir tabú: los tambores batá, profundamente ligados a la tradición religiosa africana y afrocaribeña.

Los dos temas netamente africanos de este disco, Canto Asoyín y Canto Ebioso, son inolvidables, testimonios que ilustran de manera inigualable y directa la realidad mestiza de la (nuestra, soy venezolano) afrolatinidad. Tras su desmembramiento, los miembros del GFyENY toman diferentes rumbos, de los cuales podría citarse la trayectoria de Chocolate Armenteros, grande entre los grandes, y sobre todo la de quienes heredan directamente la tradición GFyENY: el Grupo Libre, liderado por Manny Oquendo. Otra gran banda que tal vez nos atrevamos a presentarles algún día, tomorrow never knows...

Tracklist: 1. Cuba Linda / 2. Choco's Guajira / 3. Anabacoa / 4. Adelaida / 5. Luz Delia / 6. Carmen la Ronca / 7. Canto Asoyin / 8. Canto Ebioso / 9. A Papá y Mamá / 10. Iya Modupue

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octubre 22, 2008

Laurie Anderson: Big Science (1981)

La artista multidisciplinar neoyorquina Laurie Anderson llevaba tiempo presentando su famosa performance United States I-IV, cuando la productora Roma Baran la convenció para regrabar en el estudio su hipnótico "O Superman". El siempre avispado John Peel fue el responsable, al pinchar en su mítico programa radiofónico una de las joyas de la música electrónica minimalista, de que finalmente Warner pusiera una oferta encima de la mesa para comenzar presentando al gran público una selección de temas de la Anderson en un disco que se convertiría en uno de los mayores logros de la electrónica avant-garde, consiguiendo que una músico elitista, hasta entonces al alcance de unos pocos, llegara a un insospechado número de personas, y con éxito.

Big Science es un disco difícil para quienes no están acostumbrados a propuestas tan radicales por su aparente vacío en comparación con la búsqueda, dentro del mundo del rock, de complejos muros de sonido que a veces tapan las verdaderas intenciones del artista de comunicarse con su público. Pero sigue siendo un disco mítico en su rareza y originalidad, y más hipnótico y pegadizo de lo que pudiera pensarse en un principio. Y con una calidad desbordante.

Texto tomado de aquí.

Tracklist: From the air (4:29) / Big Science (6:14) / Sweaters (2:18) / Walking & Falling (2:10) / Born, never asked (4:56) / O Superman (for Massenet) (8:21) / Example #22 (2:59) / Let X=X (3:51) / It Tango (3:01)

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octubre 21, 2008

Vangelis: Soil Festivities (1984)

Tras un instante de silencio en su carrera como solista, el genial compositor y teclista griego Vangelis Papathanassiou publicará tres álbumes en un corto período de tiempo, entre 1984 y 1985. El primero de ellos sería "Soil Festivities", poco después "Invisible Connections" (con el prestigioso sello clásico Deutsche Grammophon) y finalmente "Mask". De ellos, Soil Festivities es tal vez el más íntimo, y por momentos minimalista. Acerca de esta obra, el propio Vangelis señaló en una entrevista: “…Compuse mi nuevo álbum Soil Festivities porque quería simplemente hacer música, no vender un millón de copias. No creo que sea posible de todas maneras garantizar el éxito comercial para ningún disco, porque nadie sabe realmente qué es comercial y qué no lo es. Aún si me hubiera preocupado por hacer un álbum más accesible para el público, eso no garantizaría su éxito comercial”. Sobran los comentarios…
Como dato curioso, la edición original de esta obra en LP contaba con seis temas (ó movimientos). Sin embargo, para la reedición en formato CD se consideró el sexto movimiento como parte del quinto, quedando el disco con 5 temas en lugar de los 6 originales (no se eliminó el sexto movimiento, simplemente se le negó la independencia). Por esta razón, verán que decidí hacerle honor a la historia añadiendo ese sexto movimiento en el tracklist, y así evitar que pase al olvido. También incluyo las dos contraportadas, para que noten la diferencia. Tomorrow never knows, but yesterday… Oh I believe in yesterday.




Tracklist: 1. Movement 1/ 2. Movement 2/ 3. Movement 3/ 4. Movement 4/ 5. Movements 5 & 6



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octubre 18, 2008

Flairck: Live in Amsterdam (1980)

Pensar en un grupo que combine elementos folk y de música académica con el jazz y el blues no cuesta mucho. Pero conocer un grupo que lo haga con la sensibilidad y maestría de FLAIRCK… eso ya es otra cosa. Conformada a mediados de los años ’70 de la mano de Erik Visser, esta banda holandesa demostró desde su primer trabajo (Variaties op een Dame, 1978) una calidad y originalidad excepcionales. “Live in Amsterdam”, grabado el 31 de marzo de 1980, es fiel exponente del virtuosismo de la agrupación, más aún si se considera que es un trabajo en vivo (el primero de una larga carrera que se prolonga hasta nuestros días). La formación para este concierto incluía a Erik Visser (guitarras, bouzouki, sitara, flauta de pan), su hermano Hans Visser (bajo acústico, guitarra, flauta de pan), Peter Weekers (fllautas, violín, gaitas) y Silvia Houtzager (viola, arpa y flauta de pan). Curiosamente, FLAIRCK arrastró y aún arrastra un gran número de seguidores entre los amantes de la música rock a pesar de ser fundamentalmente una pequeña orquesta de cuerdas y vientos, bastante ajena a la parafernalia electrificada del rock’n roll. Otro dato curioso acerca de esta banda es que a lo largo de sus más de 30 años de historia han ido coleccionando toda una serie de instrumentos musicales tradicionales y exóticos los cuales exhiben durante sus giras. La colección actualmente supera los 150 items. No dejéis de visitar su página web: http://www.flairck.com/.

Track List: 1. Oost-West Express/ 2. De Stoomwals/ 3. Aoife/ 4. Reklame/ 5. De Eerste Dag Na Je Vertrek / 6. April 3rd - De Vlinder/ 7. Voorspel In Sofia/ 8. Variates Op Een Dame

@ 320 (CD1):
@ 320 (CD2):

Phew: Phew (1981)

Estamos ante un álbum casi desconocido de la casi desconocida cantante japonesa Phew, antigua miembro de la banda de punk y no wave Aunt Sally. Cuando este grupo se desmembró, Phew grabó su debut como solista, homónimo, acompañada por Holger Czukay y Jaki Liebezeit (de Can) en los estudios de Conny Plank. La voz de Phew transmite, con frialdad, urgencia y angustia. Los recursos electrónicos aportados por Czukay, Liebezeit y el estudio de Plank construyen el paisaje sonoro, de carácter alienante, repetitivo e hipnótico. Más abajo, un video clip del tema que abre el álbum. Queda pues, inaugurada, la etiqueta de los 80s en nuestro blog.

Tracklist: 1. Closed (3:15) / 2. Signal (4:29) / 3. Dream (3:07) / 4. Mapping (3:42) / 5. Aqua (3:49) / 6. P-Adic (3:33) / 7. Doze (5:14) / 8. Fragment (3:54) / 9. Circuit (1:40)



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octubre 17, 2008

Agitation Free: Malesch (1972)

Agitation Free es una de las grandes bandas del krautrock. Músicos como Chris Franke (más tarde con Tangerine Dream), Michael Hoenig (que también participaría con Tangerine Dream y Ash Ra Temple), Ax Genrich (Guru Guru) y Lütz Ulbrich (Ash Ra Temple y Ashra) fueron parte de esta agrupación en determinado momento de su historia. Su primer álbum, Malesch, fue grabado después de una gira del grupo por El Cairo, Alejandría, Beirut, Nikosia y Atenas ("Malesch" es una palabra árabe equivalente al "Ok" occidental). Para ese momento, Agitation Free estaba conformado por Michael Hoenig (sintetizadores), Lutz "Lüül" Ulbrich (guitarra), Stefan Diez (guitarra), Michael Gunter (bajo) y Burghard Rausch (batería, teclados, voz). El álbum es una obra llena de pasajes hipnóticos, momentos psicodélicos y arreglos electrónicos combinados con influencias orientales, lo que hace de él una de las obras maestras del krautrock.

Tracklist: 1. You Play For Us Today - 6:08 / 2. Sahara City - 7:42 / 3. Ala Tul - 4:50 / 4. Pulse - 4:43 / 5. Khan E Khalili - 8:10 / 6. Malesch - 8:10 / 7. Rucksturz - 2:09

A propósito de travesías que inspiran discos, décadas después, Lutz "Lüül" Ulbrich, guitarrista fundador de Agitation Free, reviviría una experiencia análoga a aquel viaje previo a "Malesch". Fue una larga travesía de nueve meses que se inició en Polonia y culminó en Suramérica. Al respecto, comentaría en una entrevista: "Cuando visité Venezuela y Colombia en 1993 conocí mucha gente agradable, que parecía ser más feliz que los alemanes, aunque su vida es mucho más dura y la rentas menores. Encontré muchos que quisieran ir a vivir a Alemania o que desean que sus Estados mejoren para tener trabajos más rentables. Nosotros tenemos coches, videos, computadoras, pero no tenemos tiempo realmente para vivir juntos, la gente está detrás de su trabajo y de su dinero y nos inunda un sentimiento de soledad. No hay espontaneidad. La gente no se ayuda más, porque no se necesita. Nos volvemos egoístas. En Sudamérica tuve la impresión de que la vida es más intensa y la gente se abre hacia los otros." El disco que resultó de este viaje, titulado "Ahoi", no lo conozco, pero lo buscaré y, si es bueno, será motivo de otro post... Pero por lo pronto, escuchen "Malesch" porque, como decimos siempre, tomorrow never knows...

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En la imagen, Agitation Free frente a la pirámide escalonada de Zoser, en Saqqara, Egipto, 1972. La fotografía fue tomada por Hubertus von Puttkamer, quien también filmó en súper 8 a la banda durante su estadía en este país. Una búsqueda simple en YouTube puede revelar fragmentos de este documento.

Chico Buarque de Hollanda: Construção (1971)

El régimen militar que se inició en Brasil con un golpe el día 31 de marzo de 1964 puso fin a un período de libertad política como nunca había existido en Brasil hasta entonces. En los años siguientes, las libertades públicas fueron eliminadas progresivamente con una serie de actos institucionales, un conjunto de normas que se sobreponían a la propia Constitución Federal, que tuvo como auge, el 13 de diciembre de 1968, el establecimiento de la AI-5 (*), pasando a concentrar poderes excepcionales en las manos del general presidente, transformando el Régimen político en una dictadura cuya fase más violenta y represiva duró desde la creación del AI-5(*), en 1968, hasta al final del gobierno del militar Garrastazu Médici, en 1974. (http://www.madres.org/asp/contenido.asp?clave=1660)

Francisco “Chico” Buarque de Hollanda, poeta, músico, dramaturgo, cultor brasileño y universal, sufrió el exilio como tantos otros bajo este régimen dictatorial. En 1971, de regreso en su patria, lanza el álbum "Construção” (Construcción), el cual no pasa sin ser objeto nuevamente de la censura oficial. Es un trabajo excelente, con temas que no dejarán de ser citados en cualquier investigación acerca de la música brasilera de esa época. Del disco, un tema merece especial atención: “Construção”. Publico a continuación el texto de esta notable canción, en su portugués original y en español. Juzgad (mientras podamos, ya sabéis, tomorrow never knows).

(*) El AI-5 fue uno de 18 actos institucionales -equivalentes a los argentinos comunicado número…- y el más importante de todos. Duró diez años, eliminó toda actividad parlamentaria -hasta entonces y desde el golpe militar con que el General Castelo Branco derrocó a Joao Goulart en 1964 existía un congreso controlado-. Censuró todo medio de prensa escrita u oral, canciones, etc. (recordarán el exilio de Caetano y Gil en Londres, y eso que ellos nunca fueron de izquierda, imaginen los otros). Se llegó a dictar un auto de prisión contra Edipo, y no es broma. Se prohibió un libro de cerámicas chinas porque estaba impreso en China (o sea era chino-maoísta-rojo-comunista) El AI-5 institucionalizó la tortura y el secuestro en Brasil. (http://xanosestedia.blogspot.com/2006/02/12-de-diciembre-32-aos-este-da.html)

CONSTRUÇAO

Amou daquela vez como se fosse a última
Beijou sua mulher como se fosse a última
E cada filho seu como se fosse o único
E atravessou a rua com seu passo tímido
Subiu a construção como se fosse máquina
Ergueu no patamar quatro paredes sólidas
Tijolo com tijolo num desenho mágico
Seus olhos embotados de cimento e lágrima
Sentou pra descansar como se fosse sábado
Comeu feijão com arroz como se fosse um príncipe
Bebeu e soluçou como se fosse um náufrago
Dançou e gargalhou como se ouvisse música
E tropeçou no céu como se fosse um bêbado
E flutuou no ar como se fosse um pássaro
E se acabou no chão feito um pacote flácido
Agonizou no meio do passeio público
Morreu na contramão atrapalhando o tráfego

Amou daquela vez como se fosse o último
Beijou sua mulher como se fosse a única
E cada filho seu como se fosse o pródigo
E atravessou a rua com seu passo bêbado
Subiu a construção como se fosse sólido
Ergueu no patamar quatro paredes mágicas
Tijolo com tijolo num desenho lógico
Seus olhos embotados de cimento e tráfego
Sentou pra descansar como se fosse um príncipe
Comeu feijão com arroz como se fosse o máximo
Bebeu e soluçou como se fosse máquina
Dançou e gargalhou como se fosse o próximo
E tropeçou no céu como se ouvisse música
E flutuou no ar como se fosse sábado
E se acabou no chão feito um pacote tímido
Agonizou no meio do passeio náufrago
Morreu na contramão atrapalhando o público

Amou daquela vez como se fosse máquina
Beijou sua mulher como se fosse lógico
Ergueu no patamar quatro paredes flácidas
Sentou pra descansar como se fosse um pássaro
E flutuou no ar como se fosse um príncipe
E se acabou no chão feito um pacote bêbado
Morreu na contramão atrapalhando o sábado

DEUS LHE PAGUE (reprise)

Por esse pão prá comer, por esse chão prá dormir
A certidão prá nascer e a concessão prá sorrir
Por me deixar respirar, por me deixar existir

Deus lhe pague

Pela cachaça de graça que a gente tem que engolir
Pela fumaça, desgraça, que a gente tem que tossir
Pelos andaimes pingentes que a gente tem que cair

Deus lhe pague

Pela mulher carpideira prá nos louvar e cuspir
E pelas moscas bicheiras a nos beijar e cobrir
E pela paz derradeira que en fim vai nos redimir

Deus lhe pague!


CONSTRUCCIÓN

Amó aquella vez como si fuese la última
Besó a su mujer como si fuese la última
Y a cada hijo suyo como si fuese el único
Y atravesó la calle con su paso tímido
Subió la construcción como si fuese máquina
Irguió en el balcón cuatro paredes sólidas
Ladrillo con ladrillo en un diseño mágico
Sus ojos embotados de cemento y lágrima
Sentose a descansar como si fuese sábado
Comió frijoles con arroz cual si fuera un príncipe
Bebió e hipó como si fuese un náufrago
Bailó y carcajeó como si oyese música
Y tropezó en el cielo como si estuviera ebrio
Y flotó en el aire como si fuera un pájaro
Y acabó en el suelo hecho un paquete flácido
Agonizó en medio del paseo público
Murió a contramano entorpeciendo el tráfico

Amó aquella vez como si fuese el último
Besó a su mujer como si fuese la única
Y a cada hijo suyo como si fuese el pródigo
Y atravesó la calle con su paso ebrio
Subió la construcción como si fuese sólido
Irguió en el balcón cuatro paredes mágicas
Ladrillo con ladrillo en un diseño lógico
Sus ojos embotados de cemento y tráfico
Sentose a descansar como si fuera un príncipe
Comió frijoles con arroz como si fuera lo máximo
Bebió e hipó como si fuese máquina
Bailó y se carcajeó como si fuese el próximo
Y tropezó en el cielo como si escuchase música
Y flotó en el aire cual si fuese sábado
Y acabó en el suelo hecho un paquete tímido
Agonizó en medio del paseo náufrago
Murió a contramano entorpeciendo al público

Amó aquella vez como si fuese máquina
Besó a su mujer como si fuese lógico
Irguió en el balcón cuatro paredes flácidas
Sentose a descansar como si fuera un pájaro
Y flotó en el aire cual si fuera un príncipe
Y acabó en el suelo hecho un paquete ebrio
Murió a contramano entorpeciendo el sábado.

DIOS LE PAGUE (reprise)

Por ese pan de comer, por ese piso para dormir,
El registro para nacer, y el permiso para reír,
Por permitirme respirar, por permitirme existir,
Dios le pague

Por el aguardiente barato que tenemos que tragar,
Por la fumada, desgracia, que tenemos que toser,
Por los andamios colgantes de los que habremos de caer,
Dios le pague

Por la mujer plañidera que nos halaga y escupe
Y por las moscas que nos habrán de besar y cubrir
Y por la paz postrera que al fin nos va a redimir
Dios le pague.

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“Das músicas tira-se inspiração e força para continuar a labuta, tiram-se lições de história, penetra a alegria, tristeza, tenho risadas e alívio. (…), já eu escuto Chico e recordo de tudo que é bom." (http://zilio.wordpress.com/2008/10/08/chico-buarque/)

(De las canciones podemos tomar la inspiración y la fuerza para continuar luchando. Tomamos lecciones de historia, penetramos la alegría y la tristeza, sentimos risotadas y alivio (…) escucho a Chico (Buarque) y recuerdo todo lo que es bueno)


Tracklist: 1. Deus lhe pague / 2. Cotidiano/ 3. Desalento / 4. Construção / 5. Cordão/ 6. Olha Maria/ 7. Samba de Orly/ 8. Valsinha / 9. Minha história (Gesubambino)/ 10. Acalanto

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Louis Prima: The Wildest! (1956)

Continuando en la onda de los cincuenta, aquí va una joya. Después de un período de escasas oportunidades, en 1954 el cantante y trompetista Louis Prima consiguió un contrato para tocar en Las Vegas con una banda que incluía a su esposa Keely Smith, también cantante, y a Sam Butera, un joven saxofonista de Nueva Orleans. El éxito fue inmediato, y la media hora que conforma The Wildest!, grabada en directo en un estudio en abril de 1956, fue la guinda del pastel. Los puristas del jazz a menudo desprecian a Prima, a quien consideran un Louis Armstrong a la italiana, pero a pesar de esto, sus canciones son irresistibles, optimistas y, en esencia, divertidas.

Tracklist: 1. Just A Gigolo ~ I Ain't Got Nobody / 2. (Nothing's Too Good) For My Baby / 3. The Lip / 4. Body And Soul / 5. Oh Marie / 6. Medley: Basin Street Blues ~ When It's Sleepy Time Down South / 7. Jump, Jive, An'Wail / 8. Buona Sera / 9. Night Train / 10. (I'll Be Glad When You're Dead) You Rascal Youç

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octubre 16, 2008

The Louvin Brothers: Tragic Songs Of Life (1956)

The Louvin Brothers (Ira y Charlie Louvin) se dieron a conocer en los años 40 y se sumaron al tradicional sonido country, siguiendo los pasos de The Delmore Brothers y allanando el camino a The Everly Brothers. Tragic Songs Of Life, su primer álbum, es una obra canónica del country. La voz de barítono de Charlie y el tono agudo de Ira se van intercalando y se fusionan con un estilo chispeante y una gracilidad embelesadora. La portada del disco, que muestra a Ira y Charlie superpuestos sobre una rubia que sostiene una carta arrugada entre sus dedos parece la portada de una novela barata. Y la verdad es que, para los hermanos Louvin, estas canciones marcadas por el pecado, la tragedia y la tentación eran todas muy reales. No había nada pretencioso o kistch en ellas, y las pulsiones autodestructivas de Ira le dieron al cancionero el filo cortante de los mejores cuchillos.

Tracklist: 1. Kentucky / 2. I'll Be All Smiles Tonight / 3. Let Her Go, God Bless Her / 4. What Is Home Without Love / 5. A Tiny Broken Heart / 6. In The Pines / 7. Alabama / 8. Katie Dear / 9. My Brother's Will / 10. Knoxville Girl / 11. Take The News To Mother / 12. Mary Of The Wild Moor

@ 192

octubre 15, 2008

R.E.M.: Up (1998)

Sin la declarada comercialidad de otros trabajos, “Up” representa un punto de inflexión en la carrera de la banda estadounidense R.E.M. Inmediato a la separación de su baterista y co-fundador Bill Berry, este trabajo fue grabado con percusionistas de estudio. Una larga relación con el productor Scott Litt llegaba a su fin también (Pat McCarthy asume el rol). No sé si es el mejor disco de la banda, pero es el que más me agrada. A pedido del amigo Nosferatus. Realmente me pidió cualquier cosa de R.E.M., la elección fue mía. Disfrutadlo mientras podamos, ya sabéis, tomorrow never knows.

Tracklist: 1. Airportman / 2. Lotus/ 3. Suspicion / 4. Hope / 5. At My Most Beautiful / 6. The Apologist / 7. Sad Professor / 8. You’re in the Air / 9. Walk Unafraid / 10. Why Not Smile / 11. Daysleeper/ 12. Diminished / 13. Parakeet / 14. Falls to Climb

@ 192

Mike Oldfield: Tubular Bells 2003 (2003)

Mike Oldfield regrabó en 2003 su ópera prima justo para cuando se cumplía el 30 aniversario de la publicación de la original. Al igual que hizo antaño, Oldfield tocó todos los instrumentos, pero con todos los adelantos de las modernas técnicas de grabación. El nuevo disco es, en esencia, la misma obra, pero con un sonido espectacular. Tubular Bells 2003 suena más relajado, las transiciones entre tema y tema son más suaves; a pesar que se trata de casi exactamente la misma obra, la música es más accesible; la distorsión de las guitarras eléctricas ya no es tan áspera, y en algunas partes de plano las reemplaza con una guitarra clásica. Sim embargo, no deja de haber cosas criticables, como las voces del Maestro de Ceremonias y el Hombre de las Cavernas, que parecen "sobreactuadas". Para muchos, no obstante, ésta constituye la mejor versión de la obra maestra de Oldfield.

Tracklist: 1. Introduction / 2. Fast Guitars / 3. Basses / 4. Latin / 5. A Minor Tune / 6. Blues / 7. Thrash / 8. Jazz / 9. Ghost Bells / 10. Russian / 11. Finale / 12. Harmonics / 13. Peace / 14. Bagpipe Guitars / 15. Caveman / 16. Ambient Guitars / 17. Hornpipe

@ 320

octubre 14, 2008

AGF: Words Are Missing (2008)

Words Are Missing es el cuarto álbum de AGF, en el cual Antye Greie depura su estilo único e inconfundible. Entre los tratamientos de la voz, la deconstrucción digital del lenguaje y los microsonidos, crea una paleta de sonidos singulares sobre un tema que gira en torno al fenómeno del silencio.

Tracklist: 1. Words Are Useless Listen Listen / 2. Letters Make No Meaning (Weapons No War Germs No Disease) / 3. Food Combination Chart / 4. Die Ufer Sind In Feindes Hand / 5. Where The White Animals Meet / 6. Cognitive Modules Party II / 7. Dread In Strangers Eyes / 9. Head Inside Cloud / 10. Ooops For Understanding III / 11. Kreuzwortraetsel / 12. Presswehen / 13. Mohr Und Die Raben Von London / 14. KZ Listen Listen / 15. I War / 16. Under Water (Run

@ ~176 (VBR)

octubre 10, 2008

Richard Wright: Wet Dream (1978)

Wet Dream es el primer álbum en solitario del teclista y ocasional vocalista de Pink Floyd, Richard Wright. Fue editado en 1978, producido por el propio Wright, también autor de la totalidad de las canciones del álbum, una de ellas junto con su ex esposa, Juliette Gale, vocalista de una de las formaciones embrionarias de lo que terminaría siendo Pink Floyd.

Tracklist: 1. Mediterranean C – 3:52 / 2. Against The Odds – 3:57 / 3. Cat Cruise – 5:14 / 4. Summer Elegy – 4:53 / 5. Waves – 4:19 / 6. Holiday – 6:11 / 7. Mad Yannis Dance – 3:19 / 8. Drop In From the Top – 3:25 / 9. Pink's Song – 3:28 / 10. Funky Deux – 4:57.

@ 192